Uno, que ya está muy bregado en esto de los museos después de recorrer el British, el Louvre, el Prado o los Museos Vaticanos, no puede más que mostrar su asombro ante la enormidad, y la calidad, del Museo Metropolitano de Nueva York (http://www.metmuseum.org/). Una recomendación certera para cualquier visita museística es no tratar de verlo todo (pues el “efecto museo” hace su aparición en seguida) y centrarse en algún área concreta o visitar algunas obras seleccionadas previamente.
Así que aquí estamos, listos para recorrer el MET en una muy larga tarde, desde las 15:00 hasta las 21:00 (bueno, cierran antes, sobre las 20:40 ya te están echando). Por supuesto que no es suficiente y que deberíamos dedicarnos a un ámbito concreto, pero de perdidos al río. Lo primero que nos damos cuenta es de que el MET no es un Museo al uso, no sólo tiene vitrinas y paneles. 
También nos damos cuenta de que las piezas para ver (en particular, las pinturas) no sólo están en las salas dedicadas a la época o estilo de las mismas sino que pueden aparecer en la la Colección Robert Lehman. De hecho, la práctica totalidad de las salas del museo tienen nombre: el de los donantes privados del mismo.
En fin, como hay tantísimo que ver, recorremos las salas dedicadas a la pintura (que no están segregadas de las demás, sino que las vamos encontrando según paseamos por entre pasillos y salas de todo tipo y condición). Comencemos con la Colección Robert Lehman, por su excepcionalidad.
Colección Robert Lehman
Y el MET, como en todo, se lo curró. Y no sólo se limita a exponer los cuadros en salas al uso, sino que aprovecha el Ala Robert Lehman para reconstruir la que sería la casa del financiero, lujosa y con cierto aire antiguo. Recorriendo estas salas uno se da cuenta del valor del dinero, de lo que se puede hacer con él y del maravilloso gusto del señor Lehman, quien, aficionado a la pintura renacentista italiana, adquirió obras de inusitado valor que pasamos a revisar brevemente. En la foto de arriba, y sobre la reconstrucción de una chimenea de la mansión Lehman se encuentra un Rembrandt y dos Grecos, ahí es nada.
El Rembrandt es muy curioso. Es el Retrato de Gérard de Lairesse, pintado en 1665, momento en el que la sífilis congénita que padecía este pintor y grabador del XVII estaba haciendo estragos en su fisonomía y en su visión, pasando a convertirse con el tiempo en uno de los teóricos del arte más valorados de su tiempo. Lo que puede hacer Rembrandt con sus pinceladas lo pueden hacer pocos pintores.
Y en un contraste asombroso, dos obras del Greco rodeando al Rembrandt. Se trata de un San Jerónimo como erudito y un Cristo llevando la cruz. El San Jerónimo, del que sólo queda su cara desencajada de la típica pose de asceta que se le suele asignar,posa con una capela cardenalicia y un libro, haciendo referencia a la traducción al latín desde el griego que realizó este doctor de la Iglesia. El Cristo en la cruz es una de las primeras versiones (de 1586) de este tema, conocida es la necesidad de El Greco de producir ingentes retratos de personajes religiosos para poder tirar adelante.
Por ejemplo, estas dos pequeñas obras de Jacometto Veneziano, un miniaturista veneciano del siglo XV del que restan muy pocas obras en el mundo y aquí están presentes el Retrato de una Dama (posiblemente una monja de San Recondo) y el Retrato de Alvise Contarini, obras minuciosas y detalladas en caras y paisajes, que han servido muchas veces como ejemplo para poder asignar a este pintor otras minúsculas obras presumiblemente suyas.
Entre los flamencos, además de Hans Memling o Gerard David, hay un cuadro que nos gustó especialmente. De Petrus Christus, a la derecha, este San Eligio (santo patrón de los orfebres), de 1449. Fue pintado para la capilla de los plateros y orfebres del templo protestante de Brujas y está cargado de simbolismo, como no podía ser de otra forma (incluyendo una pareja de espectadores diferente a los retratados en el espejito de la mesa).
De Hans Holbein nos llega un pequeño retrato de Erasmo de Rotterdam. Pintado sobre 1530, es un típico ejemplo de los retratos tan formidables que realizaba el alemán, quien después sería conocido por ser el pintor de referencia de la Corte de los Tudor. El humanista Erasmo de Rotterdam debió posar para el maestro, y éste le retrató con la debida sensibilidad.
Avanzamos en el tiempo hacia el siglo XVIII para encontrarnos con dos absolutos maestros de la pintura. Por un lado tenemos a nuestro Francisco de Goya y 
Nos dejamos muchas cosas de la Colección Lehman, pero de más tendremos que prescindir (lamentablemente) en nuestro recorrido por las múltiples salas del Metropolitan Museum of Art. Así que nos centramos en los autores españoles (sobre todo Velázquez), los flamencos y franceses del XIX… vamos, lo que nos gusta.
Pintura española
Este sevillano era más que criado, un esclavo, por duro que parezca pues parece que fue durante este mismo viaje cuando Velázquez le concedió carta de libertad (con la condición de quedar a su servicio al menos otros cuatro años). Su servicio: preparar lienzos, pintura… pero no pintar (aunque parece que aprendió por su cuenta). Total, que el 19 de marzo de 1650 se expuso esta fenomenal obra en el Panteón y hubo quien dijo que este cuadro era verdad, no arte. Poco después, Velázquez pintaría su gran obra maestra, el Retrato de Inocencio X que está en la Galería Doria Pamphilj de Roma.
De la misma forma, se muestra un pequeño cuadro preparatorio de los retratos ecuestres del Conde-Duque de Olivares, sobre todo el magnífico cuadro del Prado.
En este caso, aunque algunos autores atribuyen la autoría de la obra al yerno de Velázquez, a Juan Bautista Martínez del Mazo, otros críticos aseguran que las características del paisaje y la pincelada suelta del Conde Duque responden al sevillano. Muy cerca se encuentra otra obrita de corte real, la dedicada a la infanta María Teresa de Austria (1638-1683), hija de Felipe IV .
Es una obra pequeña… porque fue cortada hace muchos años, quedando únicamente la cabeza de la futura esposa de Luis XIV y reina de Francia como muestra del retrato real que debió haber sido.
Hay otras obras del Greco, un Cristo sanando a un ciego y el retrato de un hombre anónimo que bien pudiera ser el propio Domenikos Theotokopoulos ya de edad.
En ambos casos se trata de composiciones (frutas, flores, guirnaldas, utensilios de cocina…) difíciles de valorar en la actualidad pero muy a la moda de los siglos XVII y XVIII en los que se llevaron a cabo.
En ese mismo siglo XVIII despuntó el otro gran maestro de pintores español, Goya. Del aragonés hay varias obras en el MET, desde uno de los grabados del Sueño de la Razón (que produce monstruos) hasta un probable lienzo de su hijo Javier, Majas en el balcón tradicionalmente atribuido a Goya.
Además del contraste de colores, con ese rojo del vestido de época y la iluminación posterior, destaca la imaginería pictórica tradicional,que aquí Goya recrea incluyendo una urraca atada a un cordel y una jaula con pajarillos, habituales símbolos asociados al alma cristiana desde siglos atrás y a un trío de gatos esperando a zampárselos. 
Al lado, Pepito Costa y Bonells pintado al estilo ecuestre (recién bajado del caballo) y con un uniforme que recuerda a los de la guerra de la independencia. Pepito era el hijo del médico de Fernando VII y en este lienzo se le identifica con un pequeño soldado, de corte de pelo napoleónico y con rifle y tambor de juguete al lado.
Este Baño en Jávea, de 1905, es un ejemplo perfecto del preciosismo casi impresionista, de la delicadeza de la pintura del artista valenciano, del contraste de colores y texturas que sólo los más grandes pueden conseguir.
Pintura de los Países Bajos, flamenca, holandesa, alemana y francesa
Todo un popurrí para incluir pintores de la talla de Rogier Van der Weyden, Memling, Vermeer, Bruegel, Rembrandt o Hans Holbein. Comencemos con el primero de ellos. En las salas dedicadas a la pintura de los Países Bajos destaca una pequeña vitrina donde se mantiene Francesco d’Este, hijo bastardo del Duque de Ferrara y pintado por Rogier Van der Weyden allá por 1460. 
Muy cerquita hay dos retratos preciosos de Hans Memling: Tommaso di Folco Portinari y su esposa María Baroncelli. Él era el representante florentino del Banco de los Médici en Brujas y se le conoce sobre todo por los encargos que hizo a artistas de la época, como Hugo Van der Goes o el mismo Memling. 
Petrus Christus, Dieric Bouts, un par de Jan Van Eycks impresionantes… y un precioso Patinir. La penitencia de San Jerónimo, con el bautismo de Cristo y la tentación de San Antonio en un tríptico de Joaquim Patinir, el considerado primer paisajista (aquí), 
Al fin y al cabo, era un inmigrante de los Países Bajos que trató de adaptar su arte a los pedidos de los españoles de posibilidades de entonces. Este Cristo apareciéndose a su madre, de 1496, es una copia de un retablo de Rogier Van der Weyden, pero mejorado en su composición.
Los segadores, de Pieter Bruegel el Viejo, de 1569, es una de las obras más bellas que guard ael MET y no hay visitante que no se pare ante las grandes dimensiones del lienzo. Se cree que Bruegel hizo una serie de los meses del año (bien 6 o bien 12, en función de si ahorró en meses o no). 
Caminamos por las salas flamencas rodeados de Rubens y Van Dyck, pero nuestra mirada se dirige a un Frans Hals muy conocido: Retrato de un Joven y una mujer en una posada, pintado en 1627. Hals era un maestro del retrato y lo hacía a precios populares, por lo que su obra es bastante fecunda. Sin embargo, este caso parece más asociado a una fábula de la frivolidad en la juventud que a un retrato tal cual. En todo caso, las sonrisas de los protagonistas son icono de la historia del arte.
Otras obras de Rembrandt en las salas del MET incluyen una 
Flora (posiblemente Saskia, su mujer, o Hendrickje Stoffels, su compañera,de quien también hay un retrato en la sala) basada lejanamente en la Flora de Tiziano que visitó Ámsterdam a mediados del 1600 y poco parecida a la otra Flora de Rembrandt, la de la National Gallery. 
La excepción es un Aristóteles con un busto de Homero (y con un medallón en el que aparece Alejandro Magno), una imagen oscura pero llena de vida y sabiduría, la que generan los tres protagonistas de esta obra encargada en 1654 por uno de los pocos clientes extranjeros directos de Rembrandt, el siciliano Antonio Ruffo.
Paseamos por entre más obras holandesas y centramos nuestra mirada en Jan Steen, que es un autor del XVII que me viene gustando desde hace unos años y siempre aparece en alguna de las salas de cualquier buen museo que se precie. En el MET está representado por “Alegre compañía en una terraza”.
Y es que Steen siempre se caracteriza por pintar escenas graciosas, de bullicio, de alegría. Y es que él mismo era cervecero (y aparece sentado con una jarra de cerveza en la terraza del cuadro). Por otro lado, el cuadro está cargado de simbolismos relacionados con la fortuna, el sexo, la diversión y la buena vida.
Del holandés Pieter de Hooch se muestra un lienzo denominado “Pagando a la posadera”, un prodigio que se alinea con el más grande de los pintores casi realistas del XVII holandés, Vermeer.
De hecho, su forma de relacionarse con el observador es muy parecida, aprovechando la iluminación como eje a partir del cual narrar una escena elegante y cercana, refinada muestra de la moda de la época, época de la que Johannes Vermeer es el representante más conocido.
Pocos museos del mundo pueden pavonearse, como hace el MET en su guía, de tener que seleccionar tres de las cinco obras con las que cuenta el Museo de Vermeer. Este autor no se prodigó especialmente e igual que sucedió con el Greco fue redescubierto en pleno siglo XIX. En la gran exposición que hizo El Prado sobre él se pudo ver la práctica totalidad de su obra, treinta y tantos lienzos de los que cinco están en el MET.
El más conocido de todos ellos es la Muchacha con el aguamanil o Mujer en la Ventana. Pintado en 1662, es un cuadro pequeño y sencillo y destaca sobre todo por el ambiente idealizado que representa. Una mujer ideal en una casa del siglo XVII igualmente ideal, con una iluminación suave y, por supuesto, con toda la carga simbólica en cada uno de los objetos representados, desde la pureza del aguamanil o lo mundano del joyero.
Cuando visitamos la sala donde se ubica este Vermeer, ésta está llena de gente, de aficionados a la pintura y aprendices que trataban de recoger el espíritu del pintor holandés.
Muy cerca se ubica uno de los pocos retratos de Vermeer, el Retrato de una muchacha de 1665 es una aguda representación de lo que Vermeer trataba de recoger en sus obras: transmitir los sentimientos, pensamientos y emociones de aquel que pudiera aparecer en ellas.
Y sin embargo, no es un retrato o por lo menos no trata de identificar a una persona concreta sino más bien a un gesto, una interpretación, una personalidad, una expresión. La verdad es que es un lienzo sorprendente.
El tercer cuadro de Vermeer que nos encandiló es otro ejemplo de lo anterior. Una Doncella adormecida, de 1656, tiene varios de los componentes antes descritos: hay un personaje que se está durmiendo en una habitación que representa la vida real pero que está idealizada. 
La obra tiene numerosos elementos simbólicos, como el Cupido del cuadro que está por encima de ella, que da idea de con qué está soñando esta chica.
De hecho, las radiografías realizadas al lienzo descubren la figura de un hombre donde ahora se sitúa la silla y un perro donde ahora se sitúa un espejo. De esta forma el mensaje que transmite el cuadro (una doncella adormecida pensando en su amor) es menos obvio y queda sólo para aquellos que identifican las pistas ha dejado Vermeer en la obra.
Las otras dos que se muestran son una Alegoría de la fe y una Mujer con un laúd que no nos llamaron especialmente la atención.
Entre los pintores alemanes sólo mencionaré cuatro con sus correspondientes obras: Durero, Holbein, Cranach y, muy posterior, Caspar David Fiedrich. De Durero, o Dürer, hay una Virgen y un niño con Santa Ana, motivo al que no estamos muy acostumbrados en estos lares pero sí en Alemania donde Santa Ana fue muy venerada.
La más conocida es el Retrato de un miembro de la familia Wedigh. La colonia de mercaderes alemanes de 
Londres se convirtió en una de las fuentes económicas más importantes para el artista alemán quien en 1532 hizo este subyugante retrato del joven representante de la familia Wedigh en la capital inglesa.
A este cuadro le acompañan, como digo, numerosas copias de otras obras. Por ejemplo esta Lady Lee (Margaret Wyatt) hermana del poeta Sir Thomas Wyatt y familia a la que Holbein pintó a menudo.
Avanzamos (mucho) en el tiempo para encontrarnos cara a cara con Caspar David Fiedrich, el alemán, nacido en 1774 dejó algunas obras maravillosas de las que el MET mantiene una de las versiones de D
os hombres contemplando la luna (las otras dos están en Berlín), una obra compleja donde aparece el mismo Fiedrich con su amigo August Heinrich contemplando una luna preciosa y vestidos a la antigua usanza, a la de la tradicional forma de vestir de los alemanes, prohibida en los tiempos de las guerras napoleónicas.
Pasamos a revisar un par de autores franceses de las muchas salas dedicadas a Francia en el MET y que lamentablemente tuvimos que recorrer casi corriendo. En primer lugar, George De la Tour. Lo mismo que con El Greco y con Vermeer, De la Tour fue “redescubierto” muchos años después de su desaparición y ahora se le considera un maestro muy especial. El MET cuenta con una de sus obras tradicionales, en las que la oscuridad es vencida por la sutil luminosidad de un pequeño foco así como con una obra costumbrista.
En La Adivina, un joven inocente y con dinero (va vestido a la moda de 1632, cuando probablemente fue pintado) es engañado por unas gitanas quienes, mientras la adivinan el futuro le roban su dinero inadvertidamente.
Es una obra teatral y moralizante (cuidado con el mundo cruel) de un autor del que eran fieles clientes Richelieu, Luis XIII o el Duque de Lorena.
Sin embargo, la Magdalena penitente (una de las cuatro versiones que se conservan del mismo motivo) sí que está más asociada a la producción habitual de De La Tour: una escena iluminada por una vela (también la llaman la Magdalena de las dos velas, pues ésta se refleja en un pequeño espejo).
La vela se consume, como la vida, pero Magdalena no tiene miedo a la muerte, pues sujeta entre sus manos una calavera. El espejo de plata representa el lujo, el lujo de sentir serenidad ante lo inevitable y símbolo, posiblemente, de la conversión religiosa de este personaje.
Hay otros muchos autores franceses en el MET. Nos hace gracia reencontrarnos, por ejemplo, con Jean-Siméon Chardin, con una de sus composiciones más conocidas, la de las Pompas de Jabón y que ya vimos hace unos meses en la exposición que le dedicó el Museo del Prado. En esta exposición se logró poner juntas las tres versiones de esta misma historia, mitad juego infantil recreado con sensibilidad, mitad metáfora de lo grácil y breve que es la vida: como una pompa de jabón.
Termino el mini recorrido francés con Ingres, siempre fantástico, representado por dos obras: un retrato, el de Joseph-Antoine Moltedo, pintado sobre 1810, que identifica a un oficial corso en la Roma de tiempos de Napoleón (era el jefe de correos, un activo inventor y que aparece en el retrato de una manera romántica y clásica, con la meteorología en contra pero seguro de sí mismo); y con una Odalisca en gris, una versión de una de sus más importantes pinturas, la Gran Odalisca del Louvre.
Impresionismo
Pues esto es como el Museo d’Orsay pero incrustado en medio de las múltiples salas del MET. Tal y como decía anteriormente, el Metropolitan es un museo de museos y todos están incluidos en él, desde la arqueología mesopotámica hasta habitaciones de hoteles de lujo franceses. Y de pintura contemporánea no sólo está el MOMA en Nueva York, también hay una excelente colección el el MET. Dado que no me agrada, prescindiré del arte moderno, pero sí señalaré algunas de las obras maravillosas que el impresionismo y las corrientes similares han dejado en sus salas.
Quiero destacar 10 autores entre todos los que pueblan esas salas.
Y comienzo con un espectacular paisaje de Jean-Francoise Millet. Se llama Paraje: Otoño y forma parte de un cuarteto de estaciones que Millet pintó por encargo de 1868 en adelante. El invierno quedó inacabado pero este otoño es sencillamente grandioso (y este tipo de motivos no eran ya habituales en la pintura, frente a tradiciones anteriores al respecto). El verano ya ha pasado, la cosecha ha finalizado y los espigadores se han ido, quedando los campos de Chailly para el pasto de las ovejas.
Pero para espectacular, por tamaño, colorido y ambiente, Muchachas del Pueblo de Gustave Coubert. Él mismo se autodefinía como arrogante y orgulloso y como tal se presentó en el Salón dé París de 1851 presentando obras de gran tamaño retratando escenas de la vida cotidiana. el gran formato solía estar dedicado a hechos históricos y el arrogante Coubert tuvo el acierto de dedicarlo a la vida real.
Las tres hermanas de Coubert pasean por la campiña de Ornans en el invierno de 1851 y Coubert las recrea poniéndolas en el papel protagonista, eliminando aspectos que podían distraer de la verdadera motivación de la obra: unas muchachas de pueblo paseando por el valle con el ganado cerca. El cuadro fue criticado hasta la extenuación.
Y así continuó durante su vida, innovando y rompiendo con el pasado, con las estrecheces mentales de académicos que año a año le ponían verde. Así que en 1864 lo intentó con un desnudo, que fue tildado de indecente como poco. En 1866 volvió a intentarlo con esta Mujer con un loro, sensual, provocativa, real.
De nuevo fue pasto de la crítica, pero también abrió, poco a poco, nuevos temas y mundos para gentes de mira estrecha. Manet, de hecho, comenzó su propia serie al respecto.
Édouard Manet fue uno de los grandes maestros del impresionismo francés y está excepcionalmente representado en el MET. Entre sus obras, destacan las numerosas dedicadas a motivos españoles, que estaban de moda en el París del Segundo Imperio (el famoso 
Cantante español, hombres vestidos de majos, matadores, etc.) y otras obras que adelantan por donde se va a mover el arte en los años venideros.
Su Mujer con Loro es del mismo año que el de Coubert, pero éste se recatado y tímido y hace más referencia a los sentidos que a la provocación del compañero. La modelo es la misma que la preciosa Olimpia del d’Orsay, Victorine Meurent.
Otra obra llamativa de Manet es En barca, de 1874, que no sólo tiene importancia por su delicadeza o importancia sino porque se realizó en el cónclave que reunió a un buen número de autores impresionistas en aquella época en Argenteuil (toda la historia, aquí).
Allí se encontraban Monet, Renoir, Caillebotte o Sisley… Renoir tiene numerosas obras en el MET de Nueva York. Es difícil quedarse con alguna en concreto. Las guías destacan a la Camarera del restaurante Duval, de 1875, porque refleja la verdadera intención detrás de la fecunda y maravillosa obra de Renoir.
En sus mismas palabras: ”Me gusta pintar cuando parece eterno sin jactarme de ello: una realidad cotidiana, revelada en una esquina de la calle, una criada deteniéndose un momento mientras limpia una cacerola y convirtiéndose en Juno en el Olimpo”. Esta camarera de un restaurante de París posó para Renoir en su estudio con su mismo uniforme y con el gesto y actitud con el que probablemente la vio servir su mesa.
No estaba pintando una diosa, pintaba a una persona. Como pasaría después con Aline Charigot, con quien acabaría casándose y quien aparece en este precioso retrato denominado “En la orilla”. Sin embargo, en este caso, los contornos y la figura están mucho más marcados pues, probablemente, en 1883 Renoir se había visto más influenciado por el arte italiano al visitar este país.
De sus obras, me quedo con esta Muchacha sentada en un sofá, de 1879, en la que se nota la influencia de su mentor pero también la de los otros artistas de la época, los impresionistas criticados y de mala fama que aportaron una nueva visión del mundo.
Jules Bastien-Lepage tiene una obra encantadora, una Juana de Arco de 1879 realmente emocionante.
Se trata de un cuadro de gran formato que se presta a la imaginación y que difícilmente se olvida. Juana de Arco recibe la revelación divina (entre el paisaje, Santa Catalina, San Miguel y Santa Margarita) que cambiará su sino en un momento en que esta figura histórica estaba siendo reivindicada tras la guerra franco-prusiana por la que se perdió el condado de Lorena en favor de Alemania, de donde era el pintor y la santa.
Otro de los grandes pintores bien representados es Claude Monet. El verdadero espíritu detrás del impresionismo destaca en todas sus facetas, pero sobre todo en la paisajística sabiento extraer en pocas y luminosas pinceladas la verdad de lo que vemos. Es lo que sucede, por ejemplo, en esta Vista de Vétheuil, de 1880.
Pero es quizá Monet el artista en el que más se nota el progreso en la misma técnica que él ayudó a formalizar, contando con paisajes como la serie vistas de Londres de la que Las Casas del Parlamento bajo la niebla, ya de 1903, está en el MET.
Espontaneidad es lo que pretende crear Edgar Degas en sus obras. Y sin embargo, él aseguraba que nunca ningún arte fue menos espontáneo que el suyo. Sus retratos, también cotidianos pero en un sentido todavía más informal que el de Renoir o Manet, parecen extraídos de la realidad (como esta Mujer a lado de un jarrón con flores de 1865).
Sin embargo, Degas es reconocido mundialmente por sus series sobre bailarinas de ballet (produjo hasta 1500 obras al respecto), bien representadas en la colección del MET.
También son conocidas las esculturas dedicadas al tema, fundidas en bronce pero acompañadas de la panoplia de vestimentas y objetos asociados a la práctica del ballet.
Uno de los cuadros más conocidos del Museo Metropolitano de Nueva York es Los jugadores de Cartas, de Paul Cézanne.
Sin embargo, es una excepción en su obra, más orientada a los bodegones, naturalezas muertas, retratos y paisajes que a escenas costumbristas como esta partida de 1890 que le debió gustar tanto que repitió más veces el motivo.
Nos encontraremos también el recorrido con Pissarro, Sisley, Gauguin, Toulouse-Lautrec… pero por ir terminado, me gustaría mencionar muy brevemente a George Seurat y, por supuesto, al señor Vincent Van Gogh.
Para finalizar, hay que acercarse a la figura de Van Gogh, muy bien representada en el Metropolitan con un conjunto muy amplio de obras. Sin lugar a dudas, mi favorita es el Campo de trigo con cipreses, de 1889.
A Van Goh también le gustaba especialmente esta composición y la repitió más veces. La pintó durante el mes de junio, mientras estaba ingresado en la Clínica de Saint Rémy (toda la historia, aquí). Le comentó a su hermano Theo por carta: “"He hecho un lienzo de cipreses con espigas de trigo, amapolas y un cielo azul, que es como una manta escocesa multicolor”. 
Los cipreses parece que le tocaron hondo aquel verano (“son tan hermosos de línea y proporción como un obelisco egipcio” dijo), pues vuelven a aparecer en otro de los cuadros del MET, simplemente denominado Cipreses.
El pintor holandés está presente con varios retratos, algunas pinturas carismáticas (como una de la serie final de Lirios u otra de la serie inicial de sus Zapatos) pero me quedo, para finalizar este recorrido por alguna de las obras del MET de Nueva York (y en la que debo excusar la presencia de la pintura italiana por falta de tiempo y atención) con uno de sus autorretratos más interesantes, realizado en París en 1886 cuando contaba con 32 años. En él experimenta con el neo-impresionismo que acabo de referir con Seurat y nos deja con la misma cara embobada y encantada que la mayor parte de obras del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, una prodigiosa colección de maravillas del mundo.
Próxima parada: la Arqueología.